Những bộ phim hàng đầu từ 2010 đến 2022 năm 2022

Khi thập kỷ kết thúc, nhiều cuộc trò chuyện dường như là về cách mọi người xem phim (Netflix so với rạp chiếu phim) hơn là các bộ phim. Vì vậy, chúng tôi sẽ đến & nbsp; đưa nó trở lại các bộ phim thực tế trong vài ngày tới khi các tác giả của Rogerebert.com tiết lộ các lựa chọn nhân viên của chúng tôi cho những năm nhất của những năm 2010. Nhìn vào hơn năm chục bộ phim được lựa chọn bởi các nhà phê bình và biên tập viên thường xuyên của trang web này cho thấy một câu chuyện về một kỷ nguyên đa dạng trong phương tiện. Từ phần tiếp theo của Pixar vào mùa hè năm 2010 đến bản anh hùng ca 3,5 giờ từ một bậc thầy hiện đại vừa ra rạp vào năm 2019, bạn có thể thấy bề rộng của giọng điệu, phong cách và tiếng nói sáng tạo đã nổi bật trong thập kỷ qua. Phim tài liệu đứng cạnh Epics đứng cạnh các bộ phim bom tấn đứng cạnh các bộ phim truyền hình thân mật. Thật tuyệt vời khi xem xét làm thế nào khác nhau rất nhiều bộ phim trong ý định và phong cách. Tất cả họ đều chia sẻ một điều mà đây là những bộ phim mà mọi người sẽ xem 10, 20, thậm chí 50 năm kể từ bây giờ, bằng bất cứ cách nào mọi người xem họ.

Chúng tôi đã hỏi các biên tập viên của chúng tôi-Brian Tallerico, Matt Zoller Seitz, Nell Minow, Nick Allen và Matt Fagerholm-để viết các mục Capsule cho #11-25. Danh sách dưới đây được tổng hợp từ các danh sách cá nhân của Brian Tallerico, Matt Zoller Seitz, Simon Abrams, Nick Allen, Monica Castillo, Matt Fagerholm, Odie Henderson, Glenn Kenny, Tomris Laffly, Christy Lemire, Nell Minow, Sheila O'Malley, và Peter Sobczynski.

Đề cập đáng kính

Annihilation, người Hồi giáo, những con thú của người Hồi giáo, người Hồi giáo, người Hồi giáo, người Hồi giáo, một người khác, một người khác, một trong những nhà máy sản xuất bánh mì , "" Gọi cho tôi theo tên của bạn, "& NBSP; Bản sao được chứng nhận, một phương pháp nguy hiểm, thành phố Dawson Dawson: Thời gian đông lạnh, Hàng rào, người Hồi giáo đã cải cách đầu tiên, dự án của Florida, Trạm Fruit Fruitvale, Girl Girl Gone Gone, Good Goodbye to Language, La La Land, người Hồi giáo cuối cùng của sự bất công, Hồi giáo Phù thủy, người Hồi giáo Madeline's Madeline, câu chuyện về hôn nhân Một niềm đam mê thầm lặng, những người trốn tránh, người trẻ tuổi, xin lỗi vì đã làm phiền bạn,

25 bộ phim hay nhất của những năm 2010

25. Thời niên thiếu (2014)

Theo dõi "thời niên thiếu" của Richard Linklater khiến chúng ta trở thành một phần của gia đình trên màn ảnh đến nỗi chúng ta bắt đầu cảm thấy như chúng ta đang xem các bộ phim tại nhà của chính mình. Được quay trong khoảng thời gian mười hai năm, quy trình sản xuất cho phép chúng tôi xem Mason (Ellar Coltrane) lớn lên trong khoảng thời gian liên tục 2 giờ, 46 phút. Linklater đã quay dàn diễn viên của anh ấy chỉ vài ngày mỗi năm, chỉ cho chúng tôi một vài cảnh ngắn để bắt kịp cuộc sống của Mason, bao gồm cả sự tiến hóa của mối quan hệ của anh ấy với & NBSP; Những thăng trầm của tuổi thiếu niên. Có những cái nhìn thoáng qua về các điểm nhấn văn hóa và công nghệ của thời đại, từ thức đến nửa đêm để có cuốn sách Harry Potter mới nhất chơi với phiên bản Clamshell của Gameboy. Như thường lệ với Linklater, thì Boy Boyhood cảm thấy rất ngẫu hứng và thân mật đến nỗi giai điệu của nó giống như một bộ phim tài liệu, nhưng nó không bao giờ mất đi cảm giác chắc chắn về cấu trúc và định hướng của anh ấy. Theo hình ảnh cuối cùng, chúng tôi đã lớn lên với Mason. (Nell Minow)

24. Melancholia (2011)

Thật đáng tiếc rằng những lời tự phá hoại của những kẻ khiêu khích không mệt mỏi Lars von Trier đã làm cho cơ hội của người làm chủ của mình để thực sự cạnh tranh với Terrence Malick, Cây Life của cuộc sống cho Palme d hèOr tại Cannes. Được hình thành trên & nbsp; một quy mô hoành tráng xứng đáng với Stanley Kubrick, cả hai bộ phim đều minh họa cách tâm lý bên trong của chúng ta được phản ánh bởi hành vi của vũ trụ, với những dòng nhạc cổ điển vượt thời gian phục vụ như một bản nhạc thiên thể. Cùng một đoạn trích từ báo trước từ vở opera của Richard Wagner, Tristan Tristan und Isolde, Hồi chơi trong những khoảnh khắc quan trọng trong suốt bức tranh của Von Trier, bắt đầu với trình tự trước 8 phút phi thường của nó (một Kirsten Dunst đáng giá Oscar), như những bức tranh trong chuyển động có chủ ý. Cho dù đó là lịch trình cứng nhắc trong tiệc cưới của cô ấy, nhu cầu của ông chủ đói quyền lực của cô ấy hay những nỗ lực tha thiết của chồng để kiểm soát tương lai của họ, các lực lượng áp bức đè nặng lên Justine đang mâu thuẫn trực tiếp với hóa học não của cô ấy. Chỉ trong bộ phim, cô ấy, bệnh tâm thần được cho là của cô ấy, mới chứng tỏ là một siêu cường của các loại, giải cứu đứa con trai nhỏ của chị gái mình (Charlotte Gainsbourg), từ nhận thức về sự hủy diệt của sức sống của những giấc mơ. (Matt Fagerholm)

23. “Manchester by the Sea” (2016)

Life does not stop after a death. Kenneth Lonergan’s “Manchester by the Sea” contemplates this hard truth with masterful grace, observing a Massachusetts janitor named Lee (Casey Affleck) and his nephew Patrick (Lucas Hedges), who have been affected by the recent loss of the boy’s father, Lee’s brother. Minutes after getting such news, there’s no space for proper processing. It’s all about awkward funeral arrangements, the reading of the will, and figuring out what to do with Patrick, a typical teenage boy in search of distraction. Lonergan’s film is built around a show-stopping sequence, which is accompanied by Albinoni’s “Adagio in G Minor.” In a movie that seamlessly blends traumatizing memories with the melancholic present, it’s a stunning moment of reflection, as Lee recalls an unspeakable tragedy that he caused in the past life he's trying to escape, deepening the movie's depiction of grief. Even in this moment, which ebbs and flows with the motifs of Albinoni’s piece, there are moments for pitch-black comic relief, like a stretcher that just can’t get into an ambulance. The scene is a gut punch that contains a multitude of feelings but exemplifies how Lonergan’s movie does not fear grief. Instead, it questions our solemnity to it, and treats death with the honesty and clumsiness of any other day. (Nick Allen)

22. “Once Upon a Time ... in Hollywood” (2019)

One of the most divisive and talked-about movies of the decade, Quentin Tarantino’s 9th film did something so few movies seem to be able to do in a time of pop culture overload: incite prolonged conversation. Many of the now-acknowledged classics of movie history weren’t loved by everyone when they were released, but they started a discussion that continued over the years, allowing people to return to them again and again. That will happen to this gorgeous, confident slice of revisionist history from a man who turned his personal love for Hollywood into a vision that is distinctly Tarantino's in its romantic blend of reality and nostalgia.

One of the many qualities that elevates Tarantino’s work here is the sense that this is a film he couldn’t have made earlier in his career, a movie that grapples with what’s been lost and what might have been. The movie is filled with memorable moments—the sequence with Cliff Booth (Brad Pitt in arguably his best performance) among the Manson family at Spahn Ranch is one of the best scenes of the decade by itself—but it’s the cumulative power of Tarantino’s work that makes this film one of the best of the 2010s. As the lights come on in Hollywood near the film’s end, we dread what’s to come on that fateful night for Sharon Tate. That Tarantino reshapes an actual tragedy in a way that reaffirms his belief in the magic of movies, something that his vision both laments being lost and, with its unforgettable final shot, allows us to believe in again, too. (Brian Tallerico)

21. “The Act of Killing”/”The Look of Silence” (2012/2014)

Documentaries often just point the camera at the story. Rarely, they reveal as well as depict. Directors Joshua Oppenheimer and Christine Cynn, working with an anonymous Indonesian co-director, were able to reveal the truth for the first time from the men responsible for the horrific Indonesian genocide of almost a million people in 1965-66. For decades, the entire country was in denial about what happened. If the government and the media are silent and the people responsible refuse to acknowledge what happened, how can you stop the murders from being lost to history? It turns out, you ask them to re-enact what happened, in the style of their favorite movies. Dress them up like cowboys or gangsters and they begin to relive their memories, even brag about them. Oppenheimer and Cynn did not just use the camera to record; they used it to entice the subjects to tell the truth. In "The Look of Silence," they went a step further, bringing a family to confront the killer of their son and brother. They literally use vision testing machines so the man responsible cannot look away. These movies do the same for us. (Nell Minow)

20. “Inherent Vice” (2014)

A stoned film about a stoned time, Paul Thomas Anderson’s “Inherent Vice” is also an example of a sub-type of American crime film that’s not hugely different from what’s known as a “hangout movie.” In this kind of film, there is a mystery, and it does get solved by the end (though sometimes only partially), but the exercise is ultimately a pretext to hang out with eccentric characters and soak in their time and place. Adapted from Thomas Pynchon’s novel, "Vice" is set in Los Angeles circa 1970, when the utopian dreams of the counterculture were already being replaced by a mix of nostalgia and greed. Joaquin Phoenix’s detective hero recalls The Dude as much as Philip Marlowe, a druggie struggling to remember details and keep his eye on the ball. Anderson gives lovely solos to his peerless supporting cast, which includes Katherine Waterston, Owen Wilson, Michael Kenneth Williams, Reese Witherspoon, Jena Malone, and Josh Brolin. The latter’s jar-headed right-wing cop makes for an unexpectedly poignant scene partner for Phoenix’s hippie sleuth. Their tense scene-sharing becomes something like a metaphor for the political divisions within America, or something, man. Sorry, what were we saying? (Matt Zoller Seitz)

19. “Cameraperson” (2016)

Kirsten Johnson’s “Cameraperson” is a brilliant tapestry of life experiences, assembled from deleted snippets of other films that Johnson worked on. A cinematographer by trade and a philosopher in spirit, she looks back on the people and places she has documented. Sorting through 25 years of footage, Johnson assembles them to fashion what she calls a “memoir” in the introduction, comprised of “images that have marked me and leave me wondering still.” “Cameraperson” grapples with universal themes through its recurring images—happy kids, massacre sites, government secrecy at Guantanamo Bay—and seems to contain every feeling life has to offer. Presented without context to the project the footage came from, these different sequences play out like watching someone else’s memories, their understanding of the world expanding upon our own. “Cameraperson” is a full exhibit of work, carefully curated, with new meaning each time one gets to walk around it. Inspired by the world’s greatest art form, Johnson's film is a mesmerizing expression of what a camera can capture, especially when in the hands of someone with a true instinct of where to point it. (Nick Allen)

18. “This is Not a Film” (2011)

Jafar Panahi’s 2011 project “This Is Not a Film” had to be smuggled from Iran to the Cannes Film Festival inside a cake. That’s just one piece of this doc’s defiant existence, which is itself an artistic statement from one of world cinema’s greatest rebels. The title refers to the Iranian government banning Panahi from writing scripts and directing movies when he spoke out against the government in 2011. Even the end credits call it an "effort."

However one wants to categorize it, the project evades description boxes. For example, some of it is a documentary, while other parts are staged, though the mix is seamless. Just the same, it was shot over ten days, but plays out like fake cinema verité in one afternoon, with Panahi in his apartment, milling about while being filmed by his friend Mostaba Mirtahmasb, and at one point reading an unmade screenplay that echoes his captivity. While defying a sentencing that his lawyer points out is “political, not legal,” Panahi also plays with unwritten rules about filmmaking. Panahi continues to direct, even after serving a six-year prison sentence, and “This Is Not a Film” remains a defiant microcosm of artistic rebellion. (Nick Allen)

17. “12 Years a Slave” (2013)

It took a British avant-garde director, Steve McQueen, to make the first Best Picture Oscar winner to tackle one of America's worst horrors. Solomon Northup’s 1853 memoir about his twelve-year enslavement was eloquently adapted by screenwriter John Ridley into one of the most unflinchingly honest and wrenchingly authentic portrayals of the pre-Civil War era. As a free man drugged and sold into slavery circa 1841, Northup (played by a shattering Chiwetel Ejiofor) is the perfect guide for modern viewers into this nightmarishly oppressive prison. Since life as a devoted New York family man and accomplished violinist is all he knows prior to his kidnapping, slavery is as alien and appalling to him as it is to most modern-day viewers. Some of the film’s most upsetting violence is psychological, as tyrannical plantation owners distort Bible verses to justify their righteous racial domination. Sean Bobbitt’s cinematography juxtaposes the beauty of the landscape with the dehumanizing barbarity set against it, never more potently than when Northup is hung on a branch just high enough for his toes to caress the ground. The camera keeps its distance as fellow slaves slowly go about their work, too fearful to come to his aid. It’s impossible to experience this sequence without your own neck feeling constricted. (Matt Fagerholm)

16. “If Beale Street Could Talk” (2018)

Writer/director Barry Jenkins honors writer James Baldwin, the characters in Baldwin's novel, and the audience for his film by treating the story of two young people in love with dignity and artistry. Every element is at the highest level of creative and aesthetic achievement available to a filmmaker, including Baldwin’s lyrical words, James Laxton’s luscious cinematography, the gorgeous score by Nicholas Britell, costumes that carry the narrative and illuminate the characters, and delicate, deeply human performances. A young couple falls in love (Kiki Layne, Stephan James), and we cannot help falling in love with them too because they are so tender, hopeful and beautiful. They face hardship, rejection by his mother, terrible injustice, an unplanned pregnancy, and more. But there are also moments of heart-piercing grace. Her mother (an Oscar-winning performance by Regina King) loves them fiercely. A landlord welcomes them warmly. “Beale Street” reminds us that undiminished and imperishable love abides, even in times of hardship. Like its characters of a time nearly half a century ago, this film is “ready,” and exactly right on time. (Nell Minow)

15. “Parasite” (2019)

The continuation of Steven Spielberg by other means, Korean filmmaker Bong Joon-ho has been the pre-eminent populist blockbuster filmmaker of the past decade, making clever, funny, internationally accessible, often devastating movies that also happen to be crowd-pleasers. His recent filmography includes "Snowpiercer,"  "Mother," "Okja" and the current "Parasite," a rare movie that seems to morph from one genre to the next as you watch it, much like a creature from one of Bong's feature films. Ostensibly, this is the story of a poor young man who becomes the tutor to a rich girl (with the collaboration of his sister) and starts insinuating himself into the rich family's life; but the movie springs surprise after surprise, gracefully revising its tone and genre so that by the time you get to the end, it seems almost impossible to reconcile the film you started out watching with the one that just concluded. And yet the entire thing is imagined and executed so organically that it never feels as if the director is messing with viewers just to keep them on their toes. Like great Spielberg—and the Coen brothers, and Bong's colleague Park Chan-wook—Bong's cinema is a living thing, seeming to grow and change shape as you sit there staring at it in the dark. (Matt Zoller Seitz)

14. “Inside Out” (2015)

If you put all of Jim Henson’s Muppets together, they would equal a complete human being, since each character embodies a particular aspect of the human psyche. Thus, it’s only fitting that two of the original Muppeteers, Dave Goelz and Frank Oz, have a blink-and-you’ll-miss-it reunion voicing guards of the subconscious in Pete Docter and Ronnie Del Carmen’s tour de force. Entering the mind of 11-year-old Riley (Kaitlyn Dias), whose emotions take the form of characters like Joy (Amy Poehler) and Sadness (Phyllis Smith), this animated triumph is so inventive, you’d swear it was written by Charlie Kaufman. There’s a train of thought that “runs all over the place,” an abstraction room that renders characters one-dimensional and a studio lot where performers entertain the slumbering Riley by frantically recreating her memories with amateurish zeal. At the heart of it all is one of the most mature and essential messages ever conveyed in a children’s film: that sadness is every bit as crucial as joy in one’s own personal growth. It’s a reinvigorating moral, regardless of one’s age. Pixar’s penchant for taking risks and embracing the unknown has often made their creative potential seem beyond infinite, and this film—the studio’s best to date—has set a high bar for all subsequent mainstream releases geared toward young viewers, not to mention the young at heart. (Matt Fagerholm)

13. “Silence” (2016)

Thanks mainly to his less-than-enthused take on superhero films, Martin Scorsese has been stereotyped as an old guy who makes films about gangsters, even though only a fraction of his 50+ year filmography fits the description. It's more accurate to call him a director who makes films about societies and their ethical systems, and—fittingly, for a Little Italy native who grew up around street hoods but originally studied to be a priest—he's been fascinated by religion, spirituality, and cultural relativity his whole life, particularly in relation to rebellion and violence. He has examined these subjects in films as diverse as "Kundun," "The Last Temptation of Christ," his remake of "Cape Fear" (infused with Evangelical fervor and fear of damnation) and one of his late masterpieces, "Silence," about Jesuit priests from Portugal (Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson) trying to spread Christianity within the closed island nation of Japan.

As is always the case with Scorsese, "Silence" is subjective, raw, and intensely passionate when it comes to depicting the emotional and physical suffering of individuals. This is a brutal film, particularly when the Japanese imprison and torture the Jesuits to force them to commit apostasy. But it becomes detached, at times almost academically cool-headed, when it pulls back for a wider look at the competing/conflicting value systems on display. We empathize with the Jesuits at first because they're at the center of the narrative, but the more we hear from Japanese characters, the more we begin to understand why they're so adamant about refusing the Europeans access to their land in order to spread different ideas without their approval. Based on a 1966 novel by Shūsaku Endō, this is also a terrific study in anthropology as practiced by people outside of the cultures they're examining. Shūsaku's novel (and the original Japanese film based on it) tried to understand the mentality of European missionaries, while Scorsese is an Italian-American Catholic sincerely attempting to understand the point-of-view of 17th century Japanese cultural gatekeepers. To consider the lineage of this story as it passed from one artist and country to another is to realize that art is an ongoing international conversation, unconstrained by time and changing styles, unimpeded by borders. and ennobled by curiosity and empathy. There are no easy answers in the end, and "Silence" doesn't pretend otherwise. This is a movie designed to provoke introspection and arguments, as well as a repository of everything its filmmaker has learned from studying other films about these subjects: simultaneously a sermon, a prayer, and a spectacle of endurance. (Matt Zoller Seitz)

12. Một cách ly thân (2011)

Kiệt tác của Asghar Farhadi, là một câu chuyện về các quyết định dễ hiểu, nhiều người được thông báo bởi văn hóa và tôn giáo. Chìa khóa cho sự sáng chói của nó là bao nhiêu Farhadi cân bằng quy mô, từ chối làm mất lòng bất cứ ai ngay cả câu chuyện của anh ta cảm thấy ngày càng hướng tới bi kịch. Chúng tôi được đào tạo như người xem, như mọi người thực sự, để chọn các mặt. Từ khi còn rất nhỏ, những cuốn sách chúng tôi đọc và những bộ phim chúng tôi xem giới thiệu cho chúng tôi một nhân vật chính và một nhân vật phản diện, nhưng cuộc sống không phải lúc nào cũng hoạt động theo cách đó. Thường xuyên có một anh hùng hoặc nhân vật phản diện rõ ràng, đặc biệt là trong cấu trúc của một mối quan hệ hoặc gia đình tan rã. Điều mà rất đáng nhớ về bộ phim Farhadi, là cách mà anh ấy cảm thấy rõ ràng với mọi người trong câu chuyện của mình, phơi bày nhân loại đáng tin cậy trong các nhân vật của mình và minh họa mức độ thường xuyên bị thúc đẩy và kéo theo những hạn chế của xã hội. Thật dễ dàng để biến Nader (Peyman Moadi) hoặc Simin (Leila Hatami) thành nhân vật phản diện, chúng tôi đã xem bộ phim đó hàng trăm lần trước đó. Nó cho chúng ta cảm giác thoải mái khi theo dõi mọi người vượt qua các nhân vật phản diện trong cuộc sống của họ. Nhưng loại thức ăn thoải mái đó không phải là cuối cùng. Những bộ phim như thế này & nbsp; nhắc nhở cuộc sống của chúng ta màu xám hơn nhiều so với màu đen và trắng như nó & nbsp; lưu lại trong ký ức. (Brian Tallerico)

11. Mạng lưới xã hội trực tiếp (2010)

Một số bộ phim là những cơn bão hoàn hảo của các nghệ sĩ hợp tác gặp nhau đúng lúc trong sự nghiệp của họ. Món quà Aaron Sorkin sườn vì đã phá hủy bản ngã thông qua đối thoại; David Fincher, thủ công chi tiết; Jesse Eisenberg, sẵn sàng làm cho trí tuệ & nbsp; không thể thích được; Ngay cả những nhịp điệu đẩy của Trent Reznor và Atticus Ross, đó không phải là một yếu tố duy nhất của mạng xã hội, mà cảm thấy không có. Đây là một bộ phim được hiệu chỉnh và xây dựng hoàn hảo về cách một người khốn khổ tạo ra một trong những công ty có ảnh hưởng nhất trên thế giới. Thập kỷ theo sau người chiến thắng Oscar Fincher, và các tác động và tranh cãi xung quanh quyền riêng tư và thao túng đã khiến Facebook chỉ làm sâu sắc thêm di sản của tác phẩm kinh điển hiện đại này.

Ngay từ cảnh đầu tiên của Mạng xã hội, chúng tôi đang xem một bộ phim thể hiện sự tự tin trong mọi khung hình. Chúng tôi được giới thiệu một thiên tài tự xưng (rốt cuộc, 1600 trên SATS của anh ấy), người rõ ràng không biết làm thế nào để nói chuyện với mọi người, ngay cả bạn gái của anh ấy Erica (Rooney Mara), và ý tưởng người đàn ông này sẽ phát minh ra một xã hội thay đổi thế giới Mạng ra khỏi sự bất an say xỉn của chính mình thúc đẩy bộ phim tiếp theo. Khi Mark một lần nữa chạy vào Erica khoảng nửa chừng bộ phim, anh hy vọng thành công của mình sẽ giành được lưng hoặc ít nhất là kiếm được sự ngưỡng mộ. Cô rơi nước mắt anh. Internet không được viết bằng bút chì, Mark, nó được viết bằng mực, cô nói. Sau đó, cô ấy thêm một trong những dòng dứt khoát nhất của thập kỷ: Bạn viết những điều nhảm nhí của mình trong một căn phòng tối bởi vì đó là những gì mà những người tức giận làm ngày nay. Nếu có một bộ phim ghi lại tốt hơn giai điệu của bài diễn văn và internet trong những năm 10, tôi có thể nghĩ về nó. (Brian Tallerico).

Mười bộ phim hay nhất của những năm 2010

10. "The Master" (Bài tiểu luận của Glenn Kenny)

"Thật kỳ lạ khi được yêu cầu viết về Master The Master vào năm 2019. Chủ yếu là vì bộ phim có một trong những diễn viên Joaquin Phoenix nhất của các màn trình diễn, không bị ngăn chặn và mặc khải. Nhớ lại có thể, rộng rãi trong "Joker" năm nay.It is odd to be asked to write about “The Master” in 2019. Primarily because the movie features one of the actor Joaquin Phoenix's most searing, uninhibited, and revelatory performances. A performance from which he borrows, or at least echoes, or recalls maybe, extensively in this year’s "Joker."

Trong Hồi The Master, người Quay Freddie Quell lần đầu tiên được nhìn thấy trong Hải quân, gần và vào cuối Thế chiến II; Hành động của anh ấy và những mảng đối thoại nhỏ bé nhưng sống động của anh ấy (như khi anh ấy mô tả cách tốt nhất để loại bỏ chấy cua) gợi ý một tình dục trẻ sơ sinh và một trạng thái gần như không liên tục/theo đuổi sự xâm nhập. Arthur Fleck của "Joker" không có sự nhiệt tình đối với đồ uống, anh ấy đã có một loạt các meds không hiệu quả trong mọi trường hợp, và trẻ sơ sinh của anh ấy không còn quá nhiều đối với lĩnh vực tình dục như là sự lãng mạn lý tưởng hóa. "& NBSP;

ĐỌC THÊM

9. "Get Out" (Bài tiểu luận của Odie Henderson)

Nếu không có gì khác, & nbsp; phim kinh dị xã hội tuyệt vời của Jordan Peele, thì Get Out Out, xứng đáng với vị trí của nó trong danh sách này để phát minh ra vị trí chìm. Có bao nhiêu bộ phim khác của thập kỷ này không chỉ đặt ra một cụm từ, mà còn áp dụng nó cho một Khái niệm này một cách mang tính biểu tượng và đe dọa về thể chất? Chuyến đi đầu tiên của chúng tôi có không thể nào quên. Thơ trực quan của Chris reated (Daniel Kaluuya) rơi vào khoảng trống, bị đẩy bởi một kẻ áp bức nắm giữ những vật dụng hiền lành nhất là vũ khí, là thứ không phải là thứ Những cơn ác mộng nhưng kinh hoàng ban đêm. Peele đủ thông minh để ngụy trang khái niệm đáng sợ nhất của anh ta như một phương pháp chữa bệnh dựa trên thôi miên cho việc hút thuốc, cứu lấy toàn bộ nỗi kinh hoàng của nó trong thời điểm chúng ta nhận ra đó là một thử nghiệm cho một thứ gì đó độc ác hơn nhiều. Trong cả hai trường hợp, trong cả hai trường hợp, Anh hùng của chúng ta vô thức từ bỏ quyền tự chủ của mình trong khi vẫn có mặt đủ để biết rằng nó đã biến mất. "

ĐỌC THÊM

8. "Roma" (Bài tiểu luận của Monica Castillo)

"Rom Roma là một bộ phim có trái tim trong quá khứ và hiện tại. Mặc dù mỗi khung hình là một ký ức được tái tạo tỉ mỉ từ đạo diễn, nhà văn và nhà quay phim & NBSP; Alfonso Cuarón ở tuổi thơ của Mexico City, Rom Roma không được lọc qua trải nghiệm của chính mình hoặc là của một chiếc máy ảnh phim nhưng bởi một nhân vật dựa trên người chăm sóc gia đình anh ta và nhân viên trong nước, Liboria Hồi Libo Hồi Rodríguez, và được đưa lên màn ảnh rộng trong những hình ảnh đen trắng kỹ thuật số sắc nét. Bộ phim là một chân dung đồng cảm của những gì Cleo ( Yalitza Aparicio), người độc lập hư cấu của Libo, có thể đã cảm thấy chịu đựng những bi kịch cá nhân bền bỉ khi cô buộc phải chịu gánh nặng tình cảm của việc ly hôn của chủ nhân. "

ĐỌC THÊM

7. "Dưới da" (Bài tiểu luận của Simon & NBSP; Abrams)

"Dưới da" là một tác phẩm nhập vai, vô hiệu hóa của kinh dị và khoa học viễn tưởng hiện đại. Đó là loại phim thưởng cho sự kiên nhẫn của người xem & nbsp; thông qua thôi miên, diễn xuất chính xác, điện ảnh và thiết kế âm thanh. Cốt truyện và chủ đề của nó cũng là Cơ bản hoặc cần thiết, tùy thuộc vào cách thức bộ phim hoạt động hoàn toàn. Được đạo diễn bởi Helmer video âm nhạc: Jonathan Glazer & NBSP; một phép thuật ma thuật; nếu bạn tháo rời nó quá nhiều, nó trông nhỏ hơn cảm giác. Nhưng khi bạn đang ở trong bộ phim, nó quá sức và buồn bã, một kỳ công của chủ nghĩa huyền bí điện ảnh mạnh mẽ, đồng thời làm đám mây của bạn và làm cho bạn Hãy chú ý thêm. "

ĐỌC THÊM

6. "The Wolf of Wall & nbsp; Street" (Bài tiểu luận của Sheila O'Malley)

"" The Wolf of Wall Street "đã không thực sự & nbsp; Open & nbsp; tại rạp vào năm 2013. Thay vào đó, nó đã phi nước đại vào thị trấn, rít lên và hố Đi sâu hơn thế: Hiện tại cũng là quá khứ, quá khứ dự đoán cách mọi thứ thường diễn ra, mặc dù không ai nghe thấy và hiện tại cũng đóng vai trò là một cảnh báo (mặc dù rất yếu) cho tương lai. "

ĐỌC THÊM

5. "Chủ đề Phantom" (Bài tiểu luận của Peter Sobczynski)

Nếu những năm 2010 đã làm bất cứ điều gì từ góc độ điện ảnh, họ đã chứng minh một cách thuyết phục, không có nhiều nghi ngờ, đó Anh ta bắt đầu một thập kỷ với nhóm The Master Master (2012), tài khoản chính tả của anh ta về một cựu chiến binh chiến tranh bối rối và không chắc chắn (Joaquin Phoenix), người thuộc về một giáo phái bí ẩn và nhà lãnh đạo lôi cuốn của nó (Philip Seymour Hoffman) và theo dõi điều đó Vice Vice Vice (2014), một bí ẩn của những năm 70 vui vẻ, trong đó anh ta đã xoay sở để chuyển giao phong cách viết đơn lẻ của & nbsp; Thomas Pynchon & nbsp; thành các thuật ngữ điện ảnh. Đối với hầu hết các đạo diễn, một bộ phim dọc theo dòng của một trong số đó sẽ được coi là một điểm cao trong sự nghiệp. Nhưng trong trường hợp của Anderson, họ chỉ đơn thuần là mở đầu cho những gì chứng minh là công việc đăng quang của anh ấy trong thập kỷ và có thể là sự nghiệp của anh ấy cho đến nay: Chủ đề Phantom.

ĐỌC THÊM

4. "Mad Max: Fury Road" (Bài tiểu luận của Christy Lemire)

MAD MAX MAX: Fury Road, NB & NBSP; George Miller, hậu tận thế hậu tận thế, là một sự hồi hộp nội tạng đầy những chuỗi hành động đau lòng và bạo lực tàn bạo. Nó có một cuộc rượt đuổi dài mà cả Epic trong phạm vi và phong phú về chi tiết. Nó phù hợp chắc chắn trong Miller, đã thành lập vũ trụ phim Mad Mad Max, nhưng đã bùng nổ với một tầm nhìn nguyên bản, mạnh mẽ của riêng mình. Đó là một cú đấm ruột tuyệt đẹp. Khi nó được mở vào tháng 5 năm 2015, tôi đã viết trong một bài đánh giá bốn sao trên trang web của mình, thì Tin tưởng tất cả sự cường điệu: Bộ phim này sẽ làm tan chảy khuôn mặt của bạn.

ĐỌC THÊM

3. "Bên trong Llewyn Davis" (Bài tiểu luận của Tomris Laffly)

Nếu nó không bao giờ mới, và nó không bao giờ cũ, thì nó là một bài hát dân gian.

Musing sâu sắc này được Llewyn Davis cung cấp cho khán giả trực tiếp khi bắt đầu Joel và & NBSP; Câu chuyện về quyết tâm và thất bại của Ethan Coen, sau khi anh ta dựa vào micro với một cây đàn guitar acoustic trong tay và hát, với sự rõ ràng nhất Treo tôi, oh, treo tôi. ” Trong khi các ca sĩ của các bài hát trên các bài hát dân gian phản ánh về loại nhạc được chọn của anh ấy, nhưng họ cũng áp dụng như nhau cho chất lượng lâu dài của bên trong Llewyn Davis. Với sự dịu dàng của nhạc cụ chính của nhân vật chính và lời bài hát phản chiếu của giai điệu mở đầu của anh ấy, những lời tiên tri, tôi sẽ chết và biến mất Mới nhưng vượt thời gian, cũ nhưng bằng cách nào đó mới mẻ, khiêm tốn và có ý nghĩa cùng một lúc, tất cả các cách từ sự khởi đầu ám ảnh của nó. Giống như một bài hát dân gian, bản đơn giản đơn giản bên trong Llewyn Davis, đã lẻn vào bạn.

ĐỌC THÊM

2. "Moonlight" (Bài tiểu luận của Brian Tallerico)

Sau khi nó được phát hành, được hoan nghênh, và sau đó được vinh danh trong một trong những nghi lễ giải Oscar nhất mọi thời đại, có xu hướng trên thảm đỏ và trong các báo cáo tin tức & nbsp; để nói rằng & nbsp; . ” Nó có khả năng là những người sử dụng từ này có ý nghĩa tốt. Họ có nghĩa là họ đã nhìn thấy một cái gì đó và cảm thấy một cái gì đó mà họ không nghĩ rằng họ sẽ liên quan đến câu chuyện sắp đến tuổi của một đứa trẻ da đen ở Miami tên là Chiron. "Universal" là & nbsp; một từ thường phản ánh sự ngạc nhiên về cảm giác đồng cảm, nhưng nó & nbsp; phản đối lý do tại sao bộ phim này là một kiệt tác. Đây không chỉ là một bộ phim rất cụ thể trong các chi tiết, nhân vật, bối cảnh và cảm xúc của nó, mà còn về cách các nhãn hiệu của cuộc sống không đủ sâu sắc. Không ai trên trái đất chỉ là một đại lý, mẹ, con trai, thiếu niên, người nghiện, người đồng tính nam hay người da đen. Tất cả chúng ta đều sâu sắc hơn các biệt danh, thương hiệu và nhãn hiệu mà xã hội đặt lên chúng ta, hoặc chúng ta đặt vào chính mình. Khi Chiron và Kevin nói về việc chỉ là những giọt nước trong một đại dương trong trung tâm của bộ phim, họ di chuyển gần hơn với một kết nối sâu sắc, vật lý. Trong thời điểm đó, chúng không chỉ là một phần của một đại dương rộng lớn, họ không phải là phổ quát. Chúng là có thật, ba chiều và khó quên.

ĐỌC THÊM

1. "The Tree of Life" (Bài tiểu luận của Matt Zoller Seitz)

Lịch sử điện ảnh chứa đầy những bộ phim cố gắng kết hợp trần tục và vũ trụ, nhưng ít ai làm điều đó với sự chân thành và trình diễn nhiều như Tree The Tree of Life, sự lựa chọn của chúng tôi cho bộ phim hay nhất của thập kỷ. & NBSP;

ĐỌC THÊM

Bài viết blog mới nhất

Khoảng 5 giờ trước

1 ngày trước

1 ngày trước

4 ngày trước